"Telepatía", de Lidia Damunt

Telepatía (Tormina Records, 2016)

Lidia Damunt

Cada vez más alejada de la industria musical, y cada vez mejor. Más y mejor. Hace años que Lidia Damunt está establecida en Suecia y afronta con otra actitud su carrera musical, pero la distancia con los ritmos y las condiciones del circuito no le han impedido crecer artísticamente sino todo lo contrario. Actualmente su propio sello, Tormina Records, es el refugio desde el que planear sin presión alguna los próximos pasos, abrazada a la autoedición y apoyando bandas de la zona (ella misma se embarcaba en otro proyecto a la guitarra, el cuarteto punk Arre! Arre!). En lo que respecta a sus canciones, este otoño volvía a Madrid para grabar y coproducir junto a José Mª Rosillo -en solo cuatro días, mezcla incluida- el que ya es su quinto disco en solitario, que ha contado con las colaboraciones de Hugo Sierra -arreglos de teclado- y Teresa Iturrioz (Single), participando como segunda voz en Quién puede arreglar .

En este nuevo trabajo demuestra un momento de madurez, forma e inspiración espléndido, como quien tras experimentar y enfrentarse a diversas inquietudes logra ser todavía más una misma, desde una óptica mucho más relajada. Atrás queda el acercamiento al dream pop de la mano de Hidrogenesse ( Vigila el Fuego ) o el ejercicio de revindicación de la mujer en la música popular (con la consecuente liberación personal de prejuicios en cuanto a estilos) que supuso Gramola , su reciente disco de versiones. Dos trabajos en los que nunca llegó a perder las peculiaridades que mejor le definen, por lo que hablar de vuelta a los orígenes no sería justo. Telepatia sería algo así como un buen resumen de lo recorrido con especial hincapié en sus puntos fuertes: destreza a la guitarra y mucha creatividad e imaginación, tanto en letras como a la hora de estructurar cada tema

El sentido del humor, nunca perdido, se muestra especialmente fuerte en este disco, tirando de ingenio y sirviéndose de experiencias personales ( Bolleras como tú , Cambiábamos la historia ) para desarrollar una letras en las que es capaz de alternar tanto nostalgia o diversas aventuras ficticias con crítica social, todo ellos sin sacrificar su estilo. Especialmente valiente también a la hora de jugar con su voz ( Tu teléfono o Quién puede arreglar ), así como de hablar con claridad de feminismo ( La Caja ). Lidia Damunt viene a potenciar aún más si cabe eso que tantísimo escasea, algo que quizá no estemos exigiendo lo suficiente: la personalidad.

Texto de Bruno Corrales

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"Paramales", de Xoel López

Paramales (Esmerarte, 2015)

Xoel López

Da la impresión de que, para Xoel López , el tiempo en el que existía la posibilidad de acomodarse y dejarse llevar por la inercia ha quedado lejano, enterrado. Porque Paramales puede convencer o no, pero sin duda se muestra libre, valiente, sin las presiones que aquejaban al músico en otros momentos. Sin lograr ni mucho menos un resultado marciano o demasiado distinto a lo habitual, cabe dar importancia a la producción, ahora en manos de Ángel Luján. Nuevo par de orejas con las que poner a prueba sus canciones y ponerse a prueba a sí mismo, siguiendo un camino ya abierto pero experimentando distintas sonoridades.  Es de locos, pero analizado fríamente el mayor problema que puede llegar a tener este Paramales no es otro que Atlántico , su anterior disco y el primero bajo su propio nombre tras un intenso descanso y lavado de alma. En tiempos de streaming y exceso de información se dobla la dificultad para ensalzar un disco por encima de los demás, y es enorme la temeridad de catalogar nuevos "clásicos" demasiado pronto, pero aquel álbum de ruptura y reinicio contenía la suficiente pegada para convertirse en un Pequeño o en un nuevo Honestidad Brutal del rock latino. Por su empaque y coherencia, pero también por el exorcismo personal que contenía.

Lo sea o no, y sea alargada o no su sombra, el tiempo lo dirá y no es de todos modos lo más importante. Llegaba la hora de presentar el siguiente capítulo de esta etapa y Xoel nos ofrecía 13 nuevas canciones, una de ellas firmada por Lola García, con un resultado a primera vista mucho más heterogéneo. Con todo lo bueno o lo malo que eso pueda significar. Suele el gallego asegurar en las entrevistas su hábito de quedarse con un poco de toda la música que ha pasado por sus manos, y quizá sea este nuevo álbum la mejor de las pruebas pues no parece tratarse de un regreso a las formas más anglosajonas de enfocar una canción ni una entrega sin condición a los sonidos del otro lado del charco. Están los rastros de Deluxe ( Almas del norte ) y los temas más arriesgados ( A Serea e o Mariñeiro , ¡apasionante juego de percusión afro galaico!), pero siempre su identidad por delante.

Los textos también guardan diferencias entre sí, aunque predomina el optimismo. Con momentos aislados para el rencor, doloroso pero acertado single Todo lo que merezcas , el disco desprende un entusiasmo sano, recuperando el concepto "nowhere man" en canciones como Ningún nombre, ningún lugar ; ofreciendo emocionantes imágenes en Patagonia o encontrando la sencillez en Yo solo quería que me llevaras a bailar , importante punto diferenciador en el disco en cuanto a estructura y juego de voces, muy presentes a lo largo del disco y en los que Xoel demuestra plena confianza en Lola García, al frente de muchos y muy diversos coros. Paramales es un disco para disfrutar e ir descubriendo lentamente, así como un verdadero reto para trasladarlo al directo con total fidelidad. Todo indica que seguimos disfrutando de la plenitud de un músico con gran recorrido a sus espaldas y, lo más importante, ilusión por lo que queda por hacer.

Texto de Bruno Corrales

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"Gotham te necesita", de Airbag

Gotham te necesita (Sony Music / Legacy, 2015)

Airbag

Prueba de que saben lo que hacen (o eso imaginamos), Adolfo, Pepe y José Andrés o, lo que es lo mismo, Airbag , titulaban a su anterior disco hasta la fecha con la mejor definición posible de su música. ¡Manual de montaña rusa! Cómo si eso hiciese falta, cómo si una vez arriba sirviese de algo cualquier conocimiento ante algo que se te va a ir de las manos en segundos, o como si en las partes más tranquilas diese tiempo a algo más que a conseguir parar un inevitable ataque de risa. Hablamos de canciones en las que sensaciones de lo más primarias se enfrentan a un cada vez más pulido sentido estético y sonoro. El punk y el pop en peculiar comunión gracias a un grupo de amigos de toda la vida que, casi dos décadas después, simplemente siguen siendo ellos mismos, levantando una montaña rusa de última generación -inspirada en algún villano de Batman- que no encontrarás en cualquier feria.

Con este tipo de teorias tratamos de demostrar el punto diferenciador que marca una banda como Airbag del resto. Y el simple hecho de darle vueltas al asunto es la mejor de las señales. A finales del mes de abril salía a la venta Gotham te necesita , sexto disco de estudio más allá de singles o recopilatorios con el que el grupo no ofrece síntoma alguno de relajación. Porque aunque la fórmula parezca sencilla, con Ramones o Nikis como referentes eternos y obvios, y en consecuencia la posibilidad de estancarse sea latente, Airbag han sabido evolucionar disco a disco sin dejar de divertirse (ni de divertirnos). Después de un disco debut tan arrollador y descarado como Mondo Cretino (Wild Punk, 2000), la banda pareció encontrar su lugar con entregas igual de notables, acariciando una evolución melódica con Alto Disco (Wild Punk, 2008) y abrazándola en, precisamente, Manual de Montaña Rusa (Wild Punk, 2011), que muchos seguidores tacharon en su momento de demasiado blando. Llegados a 2015 pasado y presente parecen confluir a a perfección. Airbag vuelven a pisar el acelerador pero lo hacen sin ninguna necesidad de negar su amor al power pop. Melodías, estribillos y coros cada vez más logrados tienen nuevas cimas en canciones como La bomba de neutrones o Marcas en la hierba . 

El comienzo es fulgurante, con una breve pero muy contundente Hijos de Hawaii y un single, Ladrones de cuerpos , en el que Adolfo sorprende con su voz hasta volver a engancharnos. El disco atraviesa varias fases interesantes, de la muy weezer y distorsionada Todo está bien a la perfecta cadencia pop de Gran Caimán , minímos descansos para afrontar la traca que supone el final de la cara B con Un año después , Gotham y Matar a Bill . Es obvio que la ciencia ficción, la cultura pop y las dramas amorosos siguen acaparando la temática de un álbum que, sin cambiar nada, parece cambiarlo todo. Airbag sube con este nuevo lanzamiento varios escalones. Uno evidente desde el punto de vista artístico y otro estructural al fichar por Sony Music. Siguen sin ser parte de ninguna escena o moda en concreto debido a la rigidez de ciertos sectores pero son ya sin duda parte fundamental de la vida de muchas personas.

Texto de Bruno Corrales

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"Santa Cecilia y el Diablo", de Alfa

Santa Cecilia y el Diablo (MPM, 2015)
Alfa

En las carreteras secundarias suceden este tipo de cosas, con más razón teniendo en cuenta tus rotundos valores anti GPS. Desvíos sin señalizar en los que te dejas llevar por la intuición, una corazonada... Éxitos, idas, venidas y también regresos al punto de partida. Pero siempre avanzar. Fiel a su estilo, Alfa pone la segunda piedra de la trilogía iniciada con un destierro imaginario para encomendarse a la patrona de la música. Y es que a muy pocas otras cosas rinde cuentas este rockero de origen astur, quien poco acostumbrado a mirar atrás sí se permite regresar a lo esencial cuando es necesario, o cuando simplemente sucede. Rodeado de socios habituales en Buenas Noches Rose y en Le Punk, y aunque de un tiempo a esta parte había decidido poner tierra de por medio, Alfredo confirma el reencuentro musical con Pablo Galiano, magnífico aliado a las voces, así como con Dani Patillas, Joe Eceiza o, lo que es lo mismo, con The Bang, la correspondencia al directo de su actual repertorio.

En lo que se refiere al nacimiento de las canciones de este Santa Cecilia y el Diablo , su nuevo EP, es imprescindible subrayar la figura de Miguel Herrero, quien además de productor y técnico desde los estudios ACME de Miranda (Avilés) ejerce de multiinstrumentista por y para sus canciones. Unas canciones con alma que se se refugian en el blues en busca de crudeza, pero que nos llegan más ricas en matices respecto a anteriores entregas aupadas por el protagonismo de teclados y vientos. La libertad y una pronunciada alergia a la obviedad se reflejan en textos como el que nos pone en la piel de Mimí , mujer o ideal femenino en consonancia con las custodiadas rosas de la portada obra de Raquel G. Ibáñez. Imágenes frecuentes en su trayectoria que ahora recupera, con un discurso superior, en su nuevo "más díficil todavía".

El hábito de publicar EPs en cortos períodos de tiempo obliga a Alfa a un estado de alerta permanente, y aunque quizá no sea todavía momento para las conclusiones los cimientos de su carrera en solitario son cada vez más fuertes. La carrera de fondo gana lustre con canciones como Carnaval y Ramadán , atrevido y deslenguado retrato de barrio; y con ejercicios de estilo como Canción de amor propio . Esta vez hay incluso espacio para las versiones y la nostalgia, cogiendo prestado a Barón Rojo su Concierto para ellos . Cuatro nuevas canciones que recuperan al Alfa más eléctrico en el punto más interesante de su carrera.

Santa Cecilia y el Diablo está disponible .

Texto de Bruno Corrales

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"Delitos y faltas", de Señor Mostaza

Delitos y Faltas (Hall of fame, 2013)
Señor Mostaza

“Se me da tan bien comenzar mañana mismo, se me da tan bien lo de la postergación”. Comencemos por confesar una ligera identificación con las letras de Señor Mostaza , pues teniendo en cuenta que esta reseña era para ayer -literalmente hablando- no hay una explicación mejor a que ahora mismo el navegador me haya llevado a interesarme por los puercoespines del Viejo Mundo. ¿Sabíais que los puercoespines de América son muy diferentes? Bueno, algunos. Casi parecen otro animal. 

Y antes de ir al meollo de la cuestión, a este Delitos y Faltas , cabe preguntar: “¿sabéis quiénes son Señor Mostaza?” Pues además de una banda de Valencia formada por Luis Prado (compositor, pianista y cantante), Paco Tamarit (guitarra, coros), Alejandro “Boli” Climent (bajo) y Edu Olmedo (batería), son también perfectos candidatos para futuras nostalgias y reivindicaciones por parte de listillos como pudiera ser un servidor... “Señor Mostaza, esos sí que eran buenos, y en directo todavía mejores”. Una afirmación cobarde a posteriori que por suerte no se va a producir (todavía), pues el pasado mes de febrero la banda publicaba su cuarto largo, Delitos y Faltas , en el que lo fácil es pensar que todo sigue igual. Fácil y acertado, pero con matices. Una formación estable con los papeles bien definidos, Carlos Raya de nuevo al frente como productor y el apoyo total de un sello independiente como Hall of Fame Records son los ingredientes ya conocidos en la trayectoria de una banda que demuestra que crecer no va necesariamente unido a la idea general acerca del éxito en la música. 

Lo que tenemos entre manos es otra colección de canciones de alto nivel, que más allá de navegar entre el pop y las músicas negras confirman una vez más aquello de lo que un grupo suele estar más orgulloso, la plena consecución de un sonido propio, identificable de inmediato. Con todo, Señor Mostaza demuestra una constante inquietud bordeando cualquier limitación del propio estilo al aplicar dosis de virtuosismo en momentos inesperados. Ragtime, contratiempos, solos o meritorios coros... Una especie de truco de magia o deporte de riesgo en el que nosotros alucinamos cuando, en el fondo, todo estaba bajo control. Hablamos de canciones como Solo quiero llegar o la nerviosa Te veo siempre , en las que el juego a salirse del esquema tradicional de la canción es solo eso, un juego, aunque de tremenda dificultad, acercándose cada vez más a la sólida sensación de superioridad que ofrecen las grandes bandas. 

Una vertiente musical, con las sorpresas puntuales que suponen el uso de acústicas o vientos, que vuelve a complementarse con la tremenda agudeza de Luis Prado, un letrista con un muy de agradecer sentido del humor. Porque sí, se puede ser elegante y corrosivo al mismo tiempo. Prado, además, profundiza en su labor de “terapeuta” para el rock en español. No tanto por lo que dice sino por atreverse a decirlo.Y es que lo de confesar obsesiones poco saludables y algunos otros defectos de personalidad y rendirse sin más preámbulos ante esa supuesta vulgaridad que rodea al amor o a la nostalgia no debe ser sencillo cuando de lo que se trata es de subirse a un escenario a comerse el mundo, en un idioma y en un país que además no tiene por costumbre enfrentarse a lo explícito, maltratado por sus propios complejos y a la mala gestión de la cultura... 

Todo eso y algo mucho más sencillo, que al final solo se trata de canciones, siendo el mayor punto a valorar que bandas como Señor Mostaza sigan adelante como el primer día, ofreciendo este tipo de montañas rusas sonoras y emocionales -imperdibles temas como Vas a ser o el que da nombre al disco-. Por lo demás, que el oyente conecte y las disfrute solo está en manos de... No sé, ¿Chuck Berry? 

Texto de Bruno Corrales

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"Delantera mítica", de Quique González

Delantera mítica (Last Tour Records, 2013)

Quique González

Goleada de Quique González . Aunque el partido se haya jugado fuera de casa, una vez más, como ocurrió con su anterior trabajo Daiquiri Blues , el artista madrileño ha grabado el nuevo disco en los estudios “Alex The Great” en Nashville. Quique González ha demostrado que en campo contrario hay que desarrollar tu propio juego para ganar. Y así lo ha hecho.

Para marcar goles hay que tener una buena alineación sobre el césped, y Quique González, arriesgando al ataque, ha vuelto de Nashville con una victoria, en forma de disco, bajo el brazo. Nada más sonar el pitido inicial suena Tenía que decírtelo y vemos el primer gol por la escuadra. La jugada empieza con sonido acústico que va in crescendo hacia una música más eléctrica, y con una letra potente en el regate deja en el suelo a la defensa poniendo el primer balón al fondo de la red. El minuto final de la canción podemos entenderlo como la celebración de gol, donde un gran sólo eléctrico nos deja disfrutar del buen sabor de boca que nos ha dejado la letra.  

La fábrica es el delantero fiable: sin ser una estrella mundial es el que siempre marca, el que siempre crea peligro, rondando el área con calidad crea la ocasión y la transforma. Dallas-Memphis es un nuevo fichaje sonoro. De la cantera (música) mexicana de la ranchera y criado futbolísticamente (letra) en el rock de los temas de Tom Waits . Nadie lo esperaba en este Delantera mítica pero es el que ha hecho el hat-trick y se erige como mejor jugador del partido. ¿Dónde está el dinero? es eléctrico, subersivo, atrevido y letal. Te levanta del sillón con sus regates propios de Rolling Stones y con la cordura de un remate de cabeza (letra protesta) definitivo. Otro de los fichajes estrella es Las chicas son magníficas y cuenta con la calidad de Zahara en coros. Otro tema que marca, al menos un par de goles, en el encuentro. Y en todos los equipos de fútbol hay un delantero que recuerda a otros, de alineaciones anteriores, pero que a la vez tiene un toque personal. Un delantero que gusta y que marca goles hermosos, imborrables de la memoria, y también definitivos para el resultado final. Estamos hablando de Viejos capos , una de las mejores canciones del disco con su sonido rockero y su letra hiriente sin pelos en la lengua. Esta canción compite para el título de mejor jugador del encuentro con Tenía que decírtelo y Dallas-Memphis . 

Pero ninguna delantera puede ser mítica si a las estrellas no las acompañan otros temas (jugadores) que con un juego tranquilo, al toque, crean incertidumbre en el área contraria y dan pases de gol para que la goleada de la Delantera mítica sea eternamente recordada. Entre ellos tenemos canciones como Me lo agradecerás , No encuentro a Samuel , No hagas planes , y Delantera mítica que suenan en la línea de lo que Quique nos tiene acostumbrados: temas con un ritmo calmado, pegadizos, con letras “marca de la casa”, que nunca te cansas de escuchar porque suenan a discos anteriores y también a discos futuros. Y cuando el partido está a punto de acabar entra el revulsivo: el delantero que nadie esperaba en el once inicial, pero que sorprende porque viene fichado de otro club y le sienta muy bien la camiseta del equipo de Quique González. ¿Es tu amor en vano? es una versión de la canción Is love in vain? de Bob Dylan que en el albúm de cromos viene definida como: “una de las mejores versiones de un tema de Dylan en castellano”. 

Cabe destacar que Delantera mítica golea y gusta, y es por ello que hay que reconocer la gran calidad musical y letrista de Quique González , así como la ayuda de su segundo entrenador: el gran, aunque quizá aún no así reconocido públicamente, músico César Pop , coautor de muchas de las canciones del disco.

Texto de Gonzalo Benito

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"Museo de reproducciones", de Amigos Imaginarios

Museo de reproducciones (Rock Indiana, 2012)

Amigos Imaginarios

¿Qué es eso de la química en una banda? De la conexión o la simbiosis entre los distintos miembros de un grupo, dispares todos ellos, con distintas sensibilidades e influencias. ¿Podemos tratar de definirlo a riesgo de empezar a dudar si esto de escribir sobre música tiene algún sentido? No sé si somos tan valientes o ambiciosos, pero podemos suavizarlo con ejemplos. Podemos poner lo nuevo de Amigos Imaginarios y escuchar a una banda. 

Parece fácil decirlo, “una banda”, pero ni es un farol ni una simple forma de hablar. Es algo que comprobamos desde ese Ilumíname #1 , sencillo a más no poder, casero, pero de gran emotividad y protagonismo coral. El tema es solo una breve introducción, el saludo de un grupo de músicos que se entienden poco antes de entrar en materia y ofrecernos canciones tan elaboradas y llenas de detalles como Combustión espontánea o Dulce cabeza triangular . La guitarra de Ester Rodríguez eligiendo con inteligencia el momento adecuado en el que aparecer; los imprescindibles teclados de Charlie Bautista... Amigos Imaginarios parecen buscar la sencillez, la esencia de lo que ya saben que son capaces de hacer. Tenemos por lo tanto canciones alejadas del ruido o de las producciones exageradas. Canciones al fin y al cabo, sin ninguna corriente a la que adherirse, de esas que no nacieron por la vía fácil y que sienten el derecho a pedir tu atención. 

Pero hay algo más que sería necesario advertir. Este disco no lleva el  Parental Advisory: explicit content , suponemos que se les habrá pasado. Por si acaso, no pongan Museo de reproducciones al alcance de esos recién desenamorados con miedo a enfrentarse a ellos mismos, pues Santi Campos habla claro y sobre todo habla distinto, creando bombas emocionales para incautos. 

Así que esto era. ¿Qué importa si necesitamos o no otra canción de amor? Importa dar con bandas que sepan decirlo de otra manera, a su manera, pero sobre todo importa que existan músicos dispuestos a seguir haciendo discos así. 

Texto de Bruno Corrales

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"La soledad del Sheriff Kane", de Marvin Green

La soledad del Sheriff Kane (Autoeditado, 2012)

Marvin Green

Según Loquillo , vivimos unos tiempos en los que el rock and roll es más necesario que nunca. ¿Cómo negarlo? ¿Y cómo no agradecer entonces la aparición de bandas tan frescas como Marvin Green ? Los sevillanos, rendidos ante la música negra desde su propio bautizo, dan un feliz paso adelante con un segundo disco en el que la energía y el buen gusto ya demostrado en su debut se convierten en acertado y verdadero rock and roll. Y hablamos del rock desde las entrañas, desde el puro intercambio de energía y sensaciones. Algo sencillo de asimilar pero realmente complicado de lograr. Ya en el tema introductorio, Sheriff Kane , la banda andaluza demuestra una gran forma y soltura, además de una excelente asimilación de lo más básico en el rock, incidiendo en el aspecto más festivo de un género viejo pero muy vivo. Guitarrazos, chulería y coros en plan hermandad con la añorada energía juvenil de bandas como Buenas Noches Rose , Babylon Chàt o unos primerizos M Clan . 

No muy lejos andan precisamente del espíritu inicial de los murcianos, con ese potente sonido en el que reina plácidamente el hammond. Pero volvamos al disco, pues a la puesta a punto propuesta por Marvin Green con su Sheriff Kane le sigue un tsunami como Mamá Perdón o un tema como Al Fresco , una de esas engañosas baladas que consiguen levantarte del sillón. Al fin y al cabo, ese puede ser el mayor mérito de la banda, haber sabido dar forma a una breve colección de canciones en base a unos códigos ya largamente recorridos, y haberlo hecho con el acierto y la energía de las primeras veces, cuando la pasión pesa más que la experiencia. 

En consecuencia, no podríamos darle a La soledad del Sheriff Kane   la tradicional función de confirmación que suelen tener las segundas entregas, pues la progresión por suerte es grande. Sin duda, una banda a tener muy en cuenta si logran seguir pulsando la tecla adecuada, esa gran desconocida.

Transmitir, y es que al fin y al cabo todo se reduce a eso.

La soledad del Sheriff Kane , producido por Paco Loco y grabado durante el pasado mes de agosto, se distribuye bajo licencia Creative Commons. Puede escucharse íntegramente  y descargase gratis desde la web oficial de la banda. 

Texto de Bruno Corrales

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"Chica Disco", de Napoleón Solo

Chica disco  (El Volcán, 2012)

Napoleón Solo

La primera sensación que ofrece Napoleón Solo es una total falta de reparos, posiblemente el remedio más eficaz contra el aburrimiento. Un constante " ¿por qué no?" define su propuesta, a veces convencional pero habitualmente divertida y estimulante. ¿Qué decir de aquella presentación en 2009 con un tema como Lolailo Carmona ? Con la misma actitud desacomplejada, la banda granadina afronta la siempre complicada búsqueda de la confirmación en el colmado panorama del pop español.  Chica Disco es el segundo escalón en su carrera, un disco repleto de matices, de subidas y bajadas, como marcado por etapas, que curiosamente parece empezar por el final, con historias de desamor y desengaño a modo de introducción en Adiós o el poderoso single Antes de que ocurriera , en la línea eficaz y contundente de los mejores Niños Mutantes. De esta forma, el grupo, que ya no cuenta entre sus filas con Eric Jiménez (Los Planetas), avanza con decisión gracias al talentoso Alonso Díaz Carmona, cerebro de la banda, tendente a la ambigüedad tanto en sus letras como por su particular forma de cantar.

Una de las mayores apuestas del heterogéneo sello El Volcán, Napoleón Solo tantea con inteligencia sus posibilidades en América. No es casualidad que a la producción encontremos esta vez a Emmanuel del Real, teclista de los mejicanos Café Tacvba. Un disco en el que, sin duda alguna, cabe destacar su última fase, con temas tan refrescantes como  Ramira  -de original letra, algo muy de agradecer- o  Sentido y Orden , además del buen punto y final que suponen  Dama de cara blanca  e  Historias , dos temas en los que sacan a relucir su formación clásica, contando con un acertado trío de cuerda para la despedida. Con Chica disco , Napoleón Solo da un paso hacia adelante en su universo particular. Con personalidad, eso tan difícil de encontrar.

Texto de Bruno Corrales

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"Sick forever", de Los Carniceros del Norte

Sick Forever  (Gor Discos, 2012)

Los Carniceros del Norte

Los de Bilbao lo vuelven hacer: Sick Forever , lo forman 6 cortes violentos y putrefactos, salidos del más oscuro de los cementerios. Los Carniceros del Norte son la prueba viviente del paso de The Cramps por este y otros mundos. Con pistas como Invasores invisibles , La Criatura ,  Gilman … la carnicería nos hace bajar una vez más a ese sótano lleno de viejas cintas de vídeo donde convierten el terror de serie B y Z en un ticket de ida y vuelta a la cripta más húmeda, a la laguna más oscura, o a la cara oculta de la luna, donde despliegan ese horror punk que recogen de grupos como The Damned o Parálisis Permanente.

La comunión entre la voz de Txarly Usher, los acordes pantanosos de H. Zombie, el groove de Nando Fausto y el latonísmo de esa caja de ritmos escupida directamente del infierno, es total y magistral; siguen subiendo el nivel y elevan al cubo las reservas de gore. Que Los Carniceros decidan terminar con Nekrománticos no es casualidad; esta violenta balada zombie es toda una declaración de intenciones que te hará volver a darle al play antes de que puedas decir Sick Forever!

Texto de Amanda Tijeras

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"Oscar Avendaño y Los Profesionales"

Oscar Avendaño y Los Profesionales (FOLC Records, 2012)

Oscar Avendaño y Los Profesionales

Oscar Avendaño no es ni mucho menos alguien nuevo en esto, y eso se nota desde un primer momento. El bajista, guitarrista y ahora de nuevo cantante lleva casi dos décadas dedicado en cuerpo y alma al rock and roll desde Vigo, pero es ahora cuando se lanza finalmente en solitario, descubriéndonos una colección de canciones que desbordan personalidad por los cuatro costados. El actual bajista de Siniestro Total da con este disco homónimo un verdadero paso al frente, convirtiéndose en el protagonista y sacando a la luz sus composiciones más personales, sin cabida durante estos años en los grupos a los que pertenece o ha pertenecido. Eso sí, lo hace manteniéndose alejado del concepto clásico de cantautor, respetando la idea de banda de rock y formando una a su alrededor, tal y como parece defender en ese himno particular que es Los Profesionales , canción que da nombre a su grupo. Sin llegar a haber completado siquiera una escucha al disco, resulta imposible no reparar en primer lugar en sus letras, sin duda uno de sus grandes valores y un buen gancho para aquellos que más que experimentos sonoros y evolución en el rock más clásico busquen músicos con algo diferente que decir.

Los textos de Oscar Avendaño resultan originales tanto por los temas elegidos como por la forma de tratarlos. Y es que la idea de disecar a una bella mujer ( Junto a mí ) quizá no solo no fuera la mejor idea para una canción, sino que probablemente sería una locura para cualquiera que no tuviera un sentido del humor tan peculiar como el suyo, mordaz y elegante al mismo tiempo. En este aspecto resulta sin duda inconfundible. Por otro lado, cabe destacar que no defiende sus canciones -ni mucho menos- gracias a una poderosa voz, pero eso es algo que solventa con creces gracias a una gran seguridad y actitud al interpretar. Un toque personal que queda retratado en un rock and roll como Otra última noche y que sabe llevar todavía más lejos en temas como Ella es la luz .

Oscar Avendaño recopila para su primer disco en solitario unas canciones registradas en 2009. Entonces, el batería Ricardo Moreno ( Los Ronaldos , Vilma y Los Señores ) impulsaba una grabación en la que también participaron activamente Luis García (Los Ronaldos) al bajo y Agus Alonso ( Matiné , Bobo ) a la guitarra eléctrica. Tras un lapso de tiempo obligado debido a la actividad de Siniestro Total, que en 2010 publicaban Country & Western , llegaba por fin a nuestras manos el disco que nos ocupa, ya durante el presente año. Y llegaba con el sello de calidad en el que se ha convertido rápidamente FOLC Records, una discográfica fundada por varios miembros de Los Chicos que también ha acogido en su seno a bandas como Soul Gestapo , Help Me Devil , Discípulos de Dionisos o Guadalupe Plata , nada menos. Una pequeña discográfica que rema a contracorriente, apostando por lo clásico en plena era digital y publicando sus referencias en vinilo, tal y como ocurre con el disco de Oscar Avendaño y Los Profesionales, que además contiene un CD de regalo.

En total siete temas que, aún sabiendo a poco, sirven para hacernos una idea de lo que es capaz Oscar Avendaño, que sin un gran despliegue técnico ni un enfoque revolucionario sabe regalarnos canciones que sorprenden, que calan fuerte y que ayudan a no dejar de creer en esto del rock and roll.

Texto de Bruno Corrales

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"La Casa de la Bruja", de Última Experiencia

La casa de la Bruja (Autoeditado, 2012)

Última Experiencia

Un buen remedio contra la relajación, un revulsivo ante la posibilidad de haberse dejado llevar de un tiempo a esta parte por un panorama aparentemente aburrido y sin alicientes. Los iniciados musicalmente por las grandes bandas de rock en español que comenzaban su andadura durante la década de los '80 sabrán apreciar discos como éste, en el que el buen gusto no está reñido con la contundencia y el poder del rock más clásico. Sabe muy bien por lo tanto dar con trabajos como La casa de la bruja , que nos devuelven lo que, nos diéramos cuenta o no, estábamos echando de menos. Última Experiencia  publicaban el pasado 30 de enero lo que supone su verdadera carta de presentación tras dos EPs con los que ya lograrían una gran acogida. Una breve trayectoria la del trío madrileño que se ha caracterizado por la coherencia, dando los pasos necesarios en cada momento. 

La banda tiene su origen en The Last Experience, combo de versiones de clásicos como Jimi Hendrix o The Who . A la larga ha resultado clave esa fase, pues ya como Última Experiencia han conseguido trasladar con acierto la herencia de la época dorada del rock a un repertorio propio en castellano, evitando una peligrosa precocidad a cambio de presentarse con la lección bien aprendida. Miguel Ángel Ariza (guitarra y voz), Carlos Lahoz (batería) y José Alberto Solís (bajo) entran además a formar parte de ese club de formaciones en trío acostumbradas al más difícil todavía, funcionando perfectamente sin la necesidad de más efectivos. Un hecho por el que su música no se ve exenta de matices, pues incluso puede decirse que, en su caso, la voz funciona realmente como un instrumento más.

La casa de la bruja es además un disco equilibrado, organizado de forma inteligente. Promete desde un principio gracias al sosiego y a la posterior contundencia de la canción que abre y da título al disco, alternando a continuación potentes temas como Ladyzabella , La espiral o La sensación con medios tiempos como He muerto hoy o Janet the Planet . Eso sí, medios tiempos engañosos, pues en ningún momento pierden la peculiar garra que se mantiene durante todo el álbum y que parece convertirse en sello personal de la formación. Por otro lado, es necesario destacar la lograda balada rock que es Lo sentido o el agradable final que la banda ofrece con la optimista  La rueda gira , dos grandes momentos de este disco.

Un álbum -el producido, grabado y mezclado por el efectivo y omnipresente Juan de Díos Martín en Casadiós- que es la apuesta de una banda no solo decidida a asomar la cabeza definitivamente, sino también a ganarse un lugar en el panorama musical español, convencida de aportar algo valioso y diferente. Un gran debut para un grupo que esperemos no pierda la intensidad y el toque en un futuro.

Texto de Bruno Corrales

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"22 de octubre", de Alfa

22 de octubre  (Maral Producciones Musicales, 2011) 

Alfa

No hay ninguna intención de darle un toque de ciencia ficción a este blog, pero es importante avisar de algo así. Los universos paralelos existen, al menos en cuanto a la música. Por un lado tenemos lo convencional, enemigo de la trascendencia y aliado del incondicional CD o del malvado MP3. Por suerte, hay vida más allá, donde encontramos discos como este 22 de octubre , elaborados con un cuidado especial y presentados como merecen. Está claro que, en definitiva, lo único que importa son las canciones, pero aún así el vinilo suele ser el mejor de sus compañeros de viaje. Y en este formato podemos encontrar el debut de Alfa , principal compositor de Buenas Noches Rose y cabeza visible en Le Punk , que da comienzo de esta manera a su carrera en solitario.

22 de octubre , a la venta en la tienda de Maral Producciones Musicales tanto en vinilo como en formato digital, se llega a entender realmente haciéndose con la primera opción. El disco, un vinilo de 10 pulgadas, contiene en esencia cuatro canciones: 1432 , La mañana , Martita Ruiz y Las ratas y los piojos , divididas a su vez en dos caras que son la noche y el día. Eso, en esencia, porque en realidad las canciones están enlazadas por varios cortes a modo de interludios, aportando así sentido y continuidad. Resulta inevitable recordar el espíritu primigenio de Buenas Noches Rose y aquellas introducciones y pasajes de La danza de araña . En definitiva, no son más que nuevas demostraciones de respeto por las canciones y por su conjunto, alejando todo lo posible el hecho de escuchar música del verbo consumir.

La primera cara comienza con 1432 , que no es otra cosa que la correspondencia con nuestro año 2011 en el calendario islámico, una seña con la que el músico madrileño ha decidido marcar el punto de inflexión en su carrera que supone este disco. 1432 es eso, pero sobre todo es una gran canción, una tremenda declaración de intenciones con espíritu de blues, muy alejada estilísticamente del segundo tema que encontramos en esta cara A, La mañana . Canción nostálgica e intimista, en ella llama la atención el uso de la concertina, una variante del acordeón a cargo del propio Alfa, la cual goza de un gran protagonismo durante todo el tema. Ya en la cara B, el músico madrileño, que con este disco ha dado un paso adelante en su forma de cantar y ha recuperado toda la responsabilidad a la guitarra, nos descubre su lado más folk. Primero con Martita Ruiz , retrato de vida crudo y dulce al mismo tiempo, pero sobre todo con Las ratas y los piojos , una de las grandes sorpresas de este disco. De clara inspiración dylaniana, en él retrata su visión del movimiento del 15 de mayo, siendo una de las pocas ocasiones en las que hemos podido escuchar a Alfa cantando sobre política de forma explícita.

El disco fue registrado a finales de julio en los estudios de La Casa con Ruedas junto a Javier Barrajón (batería) y Miguel Ángel Ruiz (bajo, percusión), ejerciendo este último un papel clave, pues no solo participó activamente en la grabación -siendo responsable primero de los propios estudios- sino que además ejerció labores de producción junto al propio Alfa. Obviamente, 22 de octubre sabe a poco, siendo solo un avance de lo que en adelante puede ofrecernos el hasta hace poco líder de Le Punk, un músico que a pesar de su juventud ya nos ha dejado un buen legado a través de sus dos principales bandas y que ahora se encuentra en un momento clave de su carrera, donde la experiencia y la madurez se mezclan con las ganas de volver a romper con todo e innovar. Por suerte, y como sea, queda Alfa para rato.

Texto de Bruno Corrales

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"La noche es ahora tu casa" de Pablo Galiano

La noche es ahora tu casa (Cuervo, 2012)

Pablo Galiano

Aquel de quien todo el mundo hablaba, siempre con admiración y con la consecuente rabia por no ver sus canciones plasmadas en un disco que le hiciera justicia. Músicos, periodistas, los círculos más cercanos y los afortunados de ser partícipes del boca a boca ya lo sabían, y ahora lo podemos descubrir todos los demás. Y es que durante el reciente mes de octubre, Pablo Galiano sacaba por fin a la luz su primer disco, titulado La noche es ahora tu casa , al igual que una de las canciones que sirven de colofón a este genial debut. No es de todas formas su estreno discográfico en solitario, pues ya en el verano de 2010 editaba el EP Hay gente observándote tras las ventanas... un aperitivo en forma de vinilo. Así, La noche es ahora tu casa supone su gran carta de presentación, un verdadero órdago al rock español.

Más que convincente en directo, incluso sin banda de acompañamiento, Galiano pone a nuestra disposición un completo repertorio de canciones –catorce en total-, ofreciendo así una buena oportunidad para entrar de lleno en su peculiar universo. Una colección de temas en su mayoría intensos y de cuidados textos que tienen la suerte de funcionar desde un principio para el nuevo oyente y que poseen el valor añadido de aportar algo más dedicándoles el tiempo suficiente. Porque este no es un disco con el que se pueda tener prisa.

Lo primero a destacar tras escuchar a Pablo Galiano es su voz. Una voz poderosa, con tintes soul, que en ocasiones incluso eclipsa a la propia música gracias también a su personal forma de interpretar. El disco en sí comienza de forma apabullante con Las Botas , un tema con alma de tango que contiene sin duda la esencia del músico; y continúa rayando a gran nivel con Medianoche , uno de sus temas clave. También hay lugar para canciones más melódicas, caso de Dame un instante ; y para el rock directo y sin cortapisas, donde entran en juego canciones como Volver al sueño , que además podría guardar cierto paralelismo con la forma de componer de alguien como José Ignacio Lapido , tanto por su estructura como por el lenguaje utilizado.

El disco avanza y en él encontramos un ejemplo claro de ese tipo de canciones que ya son un éxito desde la primera vez, de una forma evidente y a la vez inexplicable. Una de esas ocasiones en las que, simplemente, todo encaja. Hablamos del single Toda mi gente va a ir al infierno , interpretado a dúo con Alfa, imprescindible en bandas como Buenas Noches Rose y Le Punk y que en la actualidad también afronta su carrera en solitario. Participan en la grabación del disco otros músicos de Le Punk como Joe Eceiza o Dani Patillas, y resulta clave la participación de Isaac Rico, que además de aportar la mayoría de las baterías ejerce de co-productor junto al propio Galiano. La noche es ahora tu casa es un disco largo que por muy poco no alcanza la hora de duración, un dato que denota un gran esfuerzo y a su vez una apuesta clara por buscar un lugar que sin duda tiene asegurado, pues músicos con algo que aportar nunca sobrarán.

Pablo Galiano ofrece en su álbum debut un sentido retrato de la noche y del amor, del que vive y también del que agoniza. Aunque también hay luz, pero eso es mejor que lo descubra cada uno. Sea como sea, la espera mereció la pena.

Texto de Bruno Corrales

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"Látigos Calientes"

Látigos Calientes (Maral Producciones Musicales, 2011)

Látigos Calientes

Actitud, entrega y rock sincero, sin artificios, tanto en el estudio de grabación como sobre el escenario, ¿qué más podría hacer falta? A veces no es necesario inventar nada para destacar entre las miles de propuestas que a diario llegan a nuestros oídos. Hablamos de Látigos Calientes , formación madrileña compuesta por antiguos miembros de Idioterne , Funk Explosion o Malospelos , que el año pasado presentaban este EP, editado únicamente en vinilo de 10''. Grabado por Ernesto Dueñas (guitarra, voz), Migui Miranda (bajo, voces), Héctor del Barrio (guitarra, voz) y Luis Gómez (batería), este trabajo homónimo y autoproducido contiene cinco canciones, una de ellas oculta, y cuenta con las colaboraciones de artistas de la talla de Sidney Gámez (ex-Sobrinus, Adrede), Tuli (Alamedadosoulna) o Robértez (Motociclón).

El disco comienza con un trallazo como es La mar ca del norte , un duro retrato de vida acompañado por la armónica de Robértez, cantante de Motociclón . Una canción redonda, contundente. A continuación, completa la cara A el tema Amor sincero , donde podemos escuchar el saxo de Tuli. Y damos la vuelta al disco para encontrarnos con la festiva Malquebién , imperdible en directo, para luego dar con Dos caras , un tema interpretado por Héctor del Barrio que muestra una faceta más oscura de la banda. Justo a continuación tenemos la pista oculta del álbum, Culo de mal asiento . Una gran carta de presentación, musical y formalmente. El disco ha sido grabado, mezclado y masterizado por Isaac Rico, quien también ha ejercido de coproductor junto a la propia banda.

Si no con el mejor nombre utilizado últimamente por un grupo, al menos el más cachondo, siendo este además reflejo de su buen humor y de su pasional directo. Látigos Calientes es una banda de rock en castellano con carácter, enérgica y directa, que recuerda por momentos, y guardando siempre las distancias, a Barricada , Rosendo o a los propios Motociclón. Rock de siempre, con letras cuidadas y una gran actitud y entrega, sin perder nunca la esa cercanía tan de agradecer. Con este EP se presentaban discográficamente durante todo el pasado año, participando también en un tributo a Buenas Noches Rose orquestado por La Casa con Ruedas. Desde entonces, la banda ha visto mermada su formación con el abandono del batería Luis Gómez y la posterior deserción del guitarrista Héctor del Barrio. Aún así, Migui Miranda y Ernesto Dueñas siguen adelante con decisión y el apoyo de compañeros como Joe Eceiza o Tuli, quienes les han acompañado hasta el momento en sus conciertos, completando la banda.

En la actualidad, Látigos Calientes se encuentran grabando un nuevo álbum, que presumiblemente verá la luz tras el verano. Podéis estar al tanto de las novedades del grupo en sus páginas de  ReverbNation o .

El EP homónimo de Látigos Calientes puede escucharse en .

Texto de Bruno Corrales

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"Sursum Corda", de Los Enemigos

Sursum Corda (Gasa, 1994)

Los Enemigos

Sursum Corda , un disco extraño de una banda quizá maldita. Los Enemigos andaron un camino tristemente recurrente en la música española, el de una grupo de calidad extraordinaria, encabezado por un músico como Josele Santiago , que nunca logró el reconocimiento que muchos juzgamos merecido. Lo embriagador del repertorio de la banda madrileña le hacen a uno pensar si afirmaciones como ésta son realmente justificables, o sin embargo sólo se trata de rabia contenida y gritos en el desierto. Pero vayamos al tema en cuestión.

Corría el año 1994 cuando Los Enemigos pretendían dar un nuevo rumbo a su carrera cambiando de discográfica. Con Gasa habían editado sus cuatro primeros discos, a estas alturas convertidos en verdaderos clásicos: Ferpectamente , Un tío cabal , La vida mata y La cuenta atrás . Su descontento con cómo habían funcionado las cosas hasta el momento se sumaba a la oportunidad de fichar por la multinacional RCA, pero el contrato con su discográfica originaria les ligaba por un LP más. Ante esta tesitura, la banda decidió grabar dos discos, que salieron el mismo año. El primero era un puro trámite, grabado rápidamente, con pasajes instrumentales, canciones descartadas y rescatadas, y otro en el que centrarían todo su esfuerzo creativo para relanzarse.

El primero fue Sursum Corda , y el segundo se tituló Tras el último no va nadie . Ironías de la vida, les salió mejor el primero, tal y como admite el propio Josele Santiago en el libro Dentro. Conversaciones con Los Enemigos y biografía , de Kike Turrón y Kike Babas: “Al ver los dos discos, notas como que tenía que haber sido al contrario: el Sursum Corda , que está grabado a trompicones e inesperadamente, y suena cristalino y tiene una coherencia apabullante: en cambio, el que se suponía que iba a vender, el Tras el último ... suena muy áspero, duro de escuchar.... Quizá teníamos que haber entregado a Gasa éste y a RCA el otro... Hay temas en el Sursum que me parecen los mejores que hemos hecho nunca; es una pena”.

Seguramente se refiera a temas como A la hera , un blues de letra golfa que es al mismo tiempo una demostración en sus numerosos solos de la técnica adquirida con los años. O al trallazo que es Odio a las Nº1 , tema que, lleno de rabia, expresa la repulsa frente a la presión social que obliga a uno a ser el mejor de todos. Curiosamente, hay en este disco dos referencias claras a las difíciles experiencias con las discográficas. La primera es la contenida Zumo de Kiwi : “te vi remezclando tu último gran hit para las pistas...”, a la que se suma Wonderland Records , canción de corte pop sobre la captación de artistas. Amor de madre es una poderosa canción que trata un tema prácticamente inédito en el rock español, el incesto, de extrema incorreción política, y musicalmente una maravilla. Destaca también Por qué no me vuelvo al pueblo , reposado y nostálgico tema que recuperarían acertadamente para su disco en directo Obras escondidas , o la instrumental Rumble Munble .

Sursum Corda es un disco que no puede servir como reflejo de un momento concreto por su propia naturaleza. Para él reunieron canciones de orígenes muy diferentes y el resultado final no es para nada homogéneo. Sin embargo, el resultado es limpio, suena de lujo, y algunas canciones son grandes incorporaciones al repertorio enemigo. Decir que merece la pena es una obviedad, pues hablamos de un grupo como Los Enemigos, pero su curiosa concepción le da un valor que el resto no tiene. Aunque, al fin y al cabo, sólo sean canciones.

Texto de Bruno Corrales

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"No temáis por mí", de Hendrik Röver

No temáis por mí (Guitar Town, 2010)

Hendrik Röver

Más de 20 años de carrera con Los Deltonos , experimentos sonoros tanto dentro de su propia banda como en proyectos paralelos, evolucionando y probando con nuevos estilos por puro amor por la música, unidos a la creación de un estudio de grabación propio y un sello discográfico, que garantizan independencia y honestidad. Muy a grandes rasgos esta es el curriculum de Hendrik Röver , que con el tiempo ha convertido cada movimiento suyo en una buena noticia. Hace dos años decidió lanzarse en solitario con un proyecto de canciones sencillas, desnudas de acompañamientos eléctricos, que por su propia naturaleza no encajaban del todo en el seno de Los Deltonos. El cántabro lanzó Esqueletos , que fue acogido con entusiasmo por sus seguidores, y ahora vuelve con una segunda entrega, No temáis por mí .

Vuelve con otra nueva colección de canciones de rock y folk acústico, un lugar en el que ha demostrado sentirse muy cómodo tras pasar por estilos tan diversos como el blues, el powerpop o el hard rock. Sus letras, aspecto en el que ha mejorado notablemente, hablan de decisiones difíciles, de idas y venidas, de cansancio y resignación pero también de maneras de desaparecer y empezar de cero. Dando forma a canciones que son pequeñas historias en primera persona.

Temas como Tornados reivindican de nuevo el espíritu inicíatico de su aventura en solitario, por el cuál una buena canción se sostiene perfectamente con lo mínimo. Pero también hay lugar para arranques eléctricos como al comienzo de Lo siento , con un poderoso riff. Resulta curiosa la forma en la que Röver parece arriesgar con la voz en este nuevo álbum, llegando a tonos agudos en los que no se suele mover, caso de temas como Sol . También hay momentos realmente íntimos y sosegados como es Adiós , aunque también todo lo contrario.

Y quizá esto suene ridículo, pero es difícil no acordarse de todos esos ridículos anuncios de colonias y pasta de dientes que prometen transportarte a lugares paradisíacos. En cambio, la música de gente como Hendrik Röver sí garantiza un viaje. Escucharle es sentarse en un porche y ver atardecer, o perderse conduciendo en carreteras secundarias. Y si, suena ridículo, pero solo hay que sumergirse realmente en la música para comprenderlo, entiendiéndola como un fin en sí mismo, y no como mero acompañamiento.

Ahora venís es una reivindicación de lo natural ante las cada vez más preocupantes comodidades que las nuevas tecnologías e internet nos han traído. Y es que es una constante en las canciones de Hendrik Röver la creación de paisajes idílicos, alejados del tumulto y conectados con la naturaleza. Con En resumen llega el epílogo de este segundo álbum en solitario del cántabro, que es una despedida disfrazada de canción. Pero esta vez hay más, y muy recomendable. El disco en su primera edición se acompaña de otro cd con seis canciones adicionales interpretadas junto a la West Bluegrass Band . Es decir, Agustín Zubiaga al bajo, Charly Gómez a la guitarra, José Gutiérrez al bajo, Javi García a la mandolina a la que el propio Hendrik Röver acompaña encargado de la voz, la guitarra y el dobro. Estas canciones fueron grabadas también en Guitar Town de una forma muy natural, con toda la banda y Hendrik Röver en corro, como se puede ver en el video dirigido por Fernando Macaya para la ocasión, siendo por lo tanto registradas en directo casi en su totalidad.

En definitiva, un disco de los que merecen realmente la pena diseccionar con calma. Hay recompensa.

Texto de Bruno Corrales

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"Solo Rot", de Ariel Rot

Solo Rot (Warner, 2010)

Ariel Rot

Ariel Rot no sólo parece eternamente joven, tanto que aún resulta ser objeto de deseo para mujeres a las que de sobra dobla la edad, el argentino es joven en todos los sentidos. Para comprenderlo sólo hay que poner su nuevo disco y alucinar con el primer corte, Una vida equivocada , un rock que le retrata como un músico en forma que a pesar de su elegante madurez no ha perdido la actitud salvaje de antaño. Destaca por otro lado su letra, una crítica a las actitudes de algunos artistas, aunque sin dirigirse claramente a nadie. En este sentido recuerda al tema que abría su anterior disco, Ahora piden tu cabeza . Lo cierto es que su carrera, siempre coherente, y una actitud fiel a sus principios le dan todo el derecho a descubrir de vez en cuando algunas de las mentiras del rock.

Tras él, viene quizá el momento más discutible, o sorprendente, del disco. Papi dame la mano , un tema con ritmo de cumbia inspirado en el libro de Leopoldo María Panero y elegido como primer single del álbum. Esta elección quizá haya confundido a sus seguidores, y sobre todo a quién hace tiempo le perdió de vista. Y es que, si un single, además de ser la canción más accesible de un disco, es también la que lo representa o introduce en cierta forma, Papi dame la mano no hace justicia a Solo Rot . De todos modos, no sería de recibo despreciar una canción que bebe de ese rock latino tan recurrente en la carrera de Rot, del que el ya clásico Dos de corazones es mejor ejemplo.

Merece ahora la pena hacer un pequeño parón para presentar la nómina de músicos que han participado en la grabación de Solo Rot . Y eso a pesar de la polivalencia del propio Ariel, que se ha encargado no sólo de la voz y la guitarra eléctrica sino en ocasiones del bajo, el slide guitar, teclados, órgano hammond y algunos coros. De entre el plantel brilla la presencia de Pete Thomas, batería de los Attractions con el que ya contó en la grabación de Hablando Solo . Para el bajo se ha servido tanto de Candy Caramelo como de Mac Hernández y, entre otros, también han colaborado en diversas tareas los habituales Tito Dávila, Osvi Grecco o Mauro Mietta e invitados como Txetxu Altube de Los Madison , Luis Prado de Señor Mostaza o Rubén y Leiva de Pereza .

Temas como Dulce mirada o Problemas son de esos que llevan inevitablemente el sello Rot, aquellos que no podrías escuchar en ningún otro lado y que sin embargo a él parecen salirle solos, casi mecánicamente. Sobre todo el primero de ellos recuerda a la onda de Lo siento, Frank . Avanzamos hasta No me dejes caer , que parece querer ocupar el puesto de tapado, erigiéndose como una de las mejores composiciones del disco a base de varias escuchas. La canción, un nuevo grito de auxilio, es redonda. Una pequeña sorpresa es Dandy , la canción sin duda más sosegada del disco. Unas formas ya presentes en otros temas de su repertorio como Tacones cubanos o Vestido antiguo . Aunque, todo hay que decirlo, la temática snob remite inevitablemente a su compañero Andy Chango , más que nunca tras convertirse por unos meses en Boris Vian. Y si Una vida equivocada era un destello de rock rabioso y juvenil, canciones como Nena me enseñaste a amar son una muestra de ese rock adulto y elegante tan propio del argentino. Un tema sobrio y perfectamente ejecutado. Qué decir de los riffs, que injustamente dejan de soprender por habituales, pero que no pierden un ápice de genialidad.

Y rebasado el ecuador del disco llega la colaboración más destacable, a cargo de Pereza. Las colaboraciones del dúo de la Alameda de Osuna con los veteranos del rock en castellano merecen mención aparte. De ellas se han servido últimamente figuras como Joaquín Sabina , Burning , Jaime Urrutia , Andrés Calamaro o el propio Ariel Rot. Parece claro que Rubén y Leiva aportan su reciente fama y la posibilidad de compartir público pero en lo estrictamente musical añaden esa frescura tan importante para el rock, tanto que muchas de las viejas glorias que acceden a cantar con ellos parecen rejuvenecer instantáneamente en su presencia. En este Solo rot participan activamente en el tema Manos expertas , aportando no sólo coros, sino guitarra eléctrica (Rubén), batería y armónica (Leiva). Manos expertas es un magnífico blues en el que el argentino tira de buen humor para hablar de los primeros achaques de la edad. De lo más recomendable y divertido del disco.

De la segunda parte del álbum destaca el tema Pólvora mojada , con unos coros totalmente Rodríguez a cargo de los habituales Tito Dávila y Osvi Grecco y del líder de Los Madison, Txetxu Altube. Llegamos al final, y damos con Cuando no esperaba , la balada por antonomasia del disco, que da paso a algo también típico y muy de agradecer en los discos de Ariel Rot, las colaboraciones de Sergio Makaroff , que en este caso aporta su grano de arena con la letra de Salto al vacío , que cierra el disco.

Solo Rot es un disco enérgico, de notable, al que quizás le falte ese medio tiempo emocionante al que nos tiene (mal)acostumbrados, ya sea algo como Geishas en Madrid , El mundo de ayer o Los tipos duros no bailan . Pero lo mejor de Ariel Rot es la satisfacción de pensar que, por muchos años de carrera y éxitos acumulados, podemos seguir contando con nuevo material de asegurada calidad cada cierto tiempo, y esto es más de lo que le podríamos atrevernos a pedir a estas alturas del camino.

Texto de Bruno Corrales

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"Mi casa en llamas", de Individuos

Mi casa en llamas (Rockanbole, 2007)

Individuos

Hoy retrocederemos unos años en el tiempo, concretamente hasta ayer mismo, para recordar lo que fue el primer disco de Individuos . En el primer tercio del año 2007 aparecía, por fin, su primer largo. Grabado entre la primavera y el verano de 2006 por Álex Santos al bajo y la voz, Agus Alonso a la guitarra y Pedro Avilés a la batería. Titulado como la segunda canción de este álbum, una de las primeras que compuso el grupo, Mi casa en llamas es en un disco directo y realmente breve, algo que quizá en este caso no resulta un defecto, pues forma parte de la esencia de este disco. Una colección de canciones con más revoluciones de lo esperado si nos basamos en lo que nos habían ofrecido hasta el momento en forma de maquetas, con pequeñas excepciones como Hiroshima o la desconcertante Estúpidos escépticos , dos buenos momentos para coger aire.

Individuos, grupo de rock sin complejos ni complicaciones, con formación habitual de power trío, están desde un primer momento influenciados por el mejor rock en español, ese que nos trajeron desde los turbulentos años ochenta grupos como Ilegales, Los Enemigos o Los Deltonos . Y tal y como sucede en la mayoría de los grupos citados, con una original cabeza pensante al frente, creadora de textos que van de lo chulesco a lo rabioso, siempre con el mismo punto sarcástico tan de agradecer. Prueba de ello es la brusca Tonto (como tú solo) o el tema que abre el disco, Malas intenciones . Si ésta última canción no te ayuda a levantar un mal día, abandona el rock.

Destacan y mucho las dos versiones del disco. Una adaptación libre al castellano del In the midnight hour de Wilson Pickett y la que quizá sirva como declaración de intenciones (en clave de humor), el tema Economía sumergida de Os Resentidos , banda gallega de los ochenta y principios de los noventa. Individuos se llevan a su terreno sin problema este par de canciones tan dispares, yendo más allá del simple tributo y aportando su personalidad, tanto en música como en letra, logrando integrar estos temas ajenos a la perfección en un disco con carácter propio.

Texto de Bruno Corrales

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"Perdón por existir", de Iñigo Coppel

Perdón por existir (Good Sounds, 2007)

Iñigo Coppel

Aviso estar escribiendo esta reseña bajo el efecto de las primeras veces. Y ni siquiera llegué una vez hasta el final del disco, pero la impresión fue tan buena que lo haré todo a la vez. Perdón por existir es el primer disco de Iñigo Coppel , artista procedente de Getxo y residente en Madrid, anteriormente en bandas como Bosco el Tosco y su Puta Banda , Daniel Merino y Familia o Zodiacs , grupo que abandonó para no dejar de lado sus inquietudes en solitario. Visto el resultado, y a pesar de que Zodiacs haya evolucionado y sea ahora una banda más que prometedora, editando grandes discos como el 3, 2, 1... Zodiacs del pasado año, no pudo ser una decisión más acertada. Perdón por existir , Editado en 2007 por Good Sounds y distribuido por El Diablo! es un disco con sabor americano que recoge lo mejor del rock en castellano. Iñigo Coppel cuenta con una voz poderosa y una personalidad propia, lo que para nada es un decir una obviedad.

Un debut más que interesante en definitiva, sorprendente por su frescura. Destaca al instante el segundo tema, Lidia (no te cases con él) , un rock and roll que se te mete en la cabeza sin remedio. Y aunque muchas veces sean injustas las comparaciones, tanto para las fuentes como para el aludido, quizá esta vez funcionen como cumplido y no como falta de originalidad. La actitud de Iñigo Coppel, sin pelos en la lengua, puede recordar a Burning , quizá a Los Enemigos . Cuenta además con un sentido del humor en sus letras pocas veces visto, cercano posiblemente a otro artista emergente como Óscar Avendaño . Con sangre , el tercer tema, nos lleva a la dupla Loquillo-Sabino Méndez, con esa mezcla de melancolía y templanza. Perdón por existir es un álbum bastante variado, en el que ni la rumba Mi pacto con Satán , en la onda de las canciones más festivas de Los Rodríguez , desentona. Nada , intenso tema de guitarras desgarradas, nos remite a un sonido cercano a la primera época de Buenas Noches Rose y Casi muere tú recuerda al Ariel Rot más macarra. Con un sarcasmo que nunca abandona durante el disco, Coppel remata su debut con Primera y última canción de amor , la canción más intimista del disco. Eso sí, con trampa.

Iñigo Coppel ya se ha convertido en alguien a tener en cuenta. Todo se limita a descubrirlo si no lo has hecho ya.

Texto de Bruno Corrales

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